El mauritano

7.3
Capturado por el gobierno de los Estados Unidos, Mohamedou Ould Slahi sobrevive en la prisión de Guantánamo donde lleva más de una década sin cargos ni juicio. Tras haber perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander y su asociada Teri Duncan. Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.El mauritano Critica: Eficiente es el calificativo preciso para evaluar el trabajo de este cineasta británico. Conduce con seguridad las acciones y se rodeó de un electo de primer nivel para llevar a cabo su empresa. Hacia el final nos lleva a los tópicos comunes de este tipo de películas basadas en hechos reales. Mohamedou Ould Slahi, nacido en Mauritania, décadas antes de los atentados a las Torres Gemelas recibió entrenamiento por parte de Al-Qaeda. Dos meses después de la tragedia, Slahi fue apresado y en 2002 fue llevado a la prisión militar de Guantánamo. Cuando fue detenido en Mauritania, justo antes, procedió a borrar los contactos de su celular.El mauritano Fue torturado por años y llevado a juicio al cabo de siete años, sin haberle concedido con anterioridad el derecho a defensa y sin estipular cargos que justificaran su reclusión. El caso llega a las manos de abogada activista Nancy Hollander, interpretada por Jodie Foster, papel que la haría merecedora al Globo de Oro como mejor actriz de reparto. A Hollander no le interesa tanto que Slahi sea culpable o inocente, su motivación va por el lado de que cualquier persona debe tener derecho a un juicio justo. Ese es el punto de vista de la abogada defensora, la cinta es muy transparente en ese aspecto, de hecho, Hollander no cree del todo el testimonio de su defendido. La cinta conduce al espectador por un único camino posible, evidentemente que hagamos nuestro el sufrimiento del prisionero, presentando imágenes de apremios ilegítimos al personaje al punto de hacerlo confesar lo que pretenden sus torturadores. El director no nos apabulla con torturas impresentables (electricidad, vejaciones sexuales), tal como suele hacerlo el cine occidental, supuestamente para proteger la integridad del espectador.
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1080p Dual Español Latino 09/04/2021 2.25 GB 238 Descargar

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La vida es un rodeo

Drama
7.1

Tras un accidente que la deja en una silla de ruedas, una campeona de los rodeos promete volver a subirse a su caballo y competir de nuevo. Basada en una historia real. La vida es un rodeo Critica: Anda. Montar. Rodeo. es una película de tanta sobre la superación humana y el coraje ante la adversidad. Nada nuevo bajo el sol. De hecho, es un telefilme puro y duro de sobremesa, de esos de echarse unas lágrimas (o unas risas, vaya usted a saber) con el café sentados en el sofá. La dirección es plana, el guión es tópico a más no poder y la mayoría de actores parecen más modelos que otra cosa. Aun así, la película no ofende, no tiene nada realmente malo, se deja ver bien y es entretenida, y cuenta con una protagonista, Spencer Locke, que no es que sea Glenn Close pero por lo menos pone bastantes ganas y alma a interpretar a Amberley Snyder. Fabulosa banda sonora country con grandes estrellas del género (muy conocidos para los que estén un poquito puestos en esta música, como Dixie Chicks, Rascal Flatts o Sugarland) para una película normalita, muy telefilmesca, pero que no insulta nuestra inteligencia y no resulta ofensiva. Lo mejor: Su banda sonora, el trabajo de Spencer Locke y que no engaña a nadie. Lo peor: Lo mismo, que es lo que es, y que no es más tv movie porque no puede.

White Chamber

Ciencia ficción Drama
4.7

En el futuro cercano, el Reino Unido se encuentra sumido en una cruenta guerra civil. En este escenario, una mujer despierta en un cubículo blanco, donde un interlocutor le exige una información que ella afirma no conocer. En este punto, la habitación aparentemente neutra se convertirá en una sofisticada sala de tortura, que llevará a la protagonista a los límites de su fortaleza física y mental. White Chamber Critica: Película independiente de bajo presupuesto y rodada en 12 días cuya acción se sitúa en un futuro distópico en UK. A medida que avanza la trama iremos comprendiendo porque están encerrados en una celda de pequeñas dimensiones y son torturados de esa forma tan sofisticada y cruel. Es inevitable que nos recuerde a películas como Cube, Red Eye, Experimenter: La historia de Stanley Milgram, Experimento en la prisión de Stanford o incluso Buried. Películas que demuestran que no hacen falta muchos recursos ni grandes espacios para contar una buena historia. El propio director en la entrevista posterior a la proyección, en el Festival de Cine Fantástico de Sitges, las nombro como su fuente de inspiración para empezar a escribir la historia. También indicó que busco información sobre venenos, drogas como la Flakka y torturas y que las dimensiones de la celda recreada son las mínimas establecidas por la ley británica. Solo veremos planos exteriores en el arranque para posteriormente encerrarnos como espectadores en un espacio visual reducido y con muy pocos personajes. Algunos planos aberrantes y los muy agresivos primerísimos primeros planos junto con las torturas inducidas intentarán incomodarnos y removernos en la butaca pero, en general, es una historia con poco horror. Sobresale la actuación de la protagonista femenina aunque todos estan creibles. Como curiosidad el hecho de coincidir tanto con el actor como con el director aunque no supe aprovechar la ocasión… Tiene un trasfondo político pero no supe ver la profundidad que me prometieron en la presentación salvo comprender que en una guerra todos pierden. En todo caso aceptable y disfrutable que no es poco. Más críticas en https://montagmira.wordpress.com/

La leyenda del jinete sin cabeza

Drama Fantasía Misterio Suspense Terror
7.1

Durante la Guerra de Secesión Americana, un policía de Nueva York que utiliza avanzados métodos de investigación es enviado al pueblo de Sleepy Hollow para descubrir qué hay de verdad en la leyenda de un jinete sin cabeza que aterroriza a los habitantes del lugar. Una vez allí adopta la identidad de un profesor de escuela y se enamora de Katrina, que mantiene relaciones con uno de los hombres más conocidos del pueblo. Realidad y ficción se darán la mano en el momento menos pensado....La leyenda del jinete sin cabeza Critica: Magnífica película del gran Tim Burton, probablemente el director más original que trabaja ahora en el cine. Pese a que se nos vendió como una cinta de terror (para mí no lo es), el guión no escatima momentos inquietantes, como cada una de las apariciones del jinete, en especial las dos primeras, y nos regala secuencias magistrales como la de la iglesia o la del molino. Entre los actores destaca inevitablemente un Johnny Depp pre-Jack Sparrow, perfecto como el inocentón e inteligente inspector Crane, y por supuesto Christina Ricci en uno de ésos papeles de tía rara que la actriz interpreta con los ojos cerrados. También resulta inolvidable Miranda Richardson, que es lo que más miedo da de toda la película. Pero lo mejor es sin duda la puesta en escena de Burton, que además se rodea de un equipo técnico de primera que le da al conjunto ese "toque" tan clásico del director (observar la dirección artística, la fotografía nebulosa y el vestuario). Una de las mejores películas del último lustro del siglo XX. Lo mejor: La direción de Tim Burton, Johnny Depp y la dirección artística, inquietante e incluso terrorífica (ver el flash-back que relata la infancia de Crane), pero innegablemente bella. Lo peor: Nada....La leyenda del jinete sin cabeza

Una nueva eternidad

Drama Romance
6.6

Mientras tratan de recomponerse de la muerte de su marido, Libby y sus hijos se mudan a la solitaria granja de cabras de su tía, ubicada en el centro de Texas.Una nueva eternidad Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

Mobile Homes

Drama
6.1

Una madre joven deambula de un hotel a otro con su novio y su hija de ocho años. Consiguen subsistir como pueden hasta que un día descubren una comunidad con casas móviles que ofrece un estilo de vida alternativo.Mobile Homes Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.Mobile Homes

Escobar

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Nick, un joven surfista, cree que todos sus sueños se han hecho realidad cuando va a visitar a su hermano en Colombia. Con el trasfondo idílico de lagunas azules y blancas playas, Nick se enamora perdidamente de una bella joven llamada María. Todo parece perfecto hasta que Nick conoce al tío de la joven, un tal Pablo Escobar. Escobar Critica: Resulta curioso como funciona el mundo de Hollywood. Hace unos años, cuando disfrutaba de la serie "Entourage (AKA El séquito)", el personaje de Vincent Chase, se enfrentaba al complicado rodaje de una cinta en la que encarnaba al famoso narcotraficante Pablo Escobar. Durante esos episodios, y observando la caracterización que en la serie hacían de Vincent para el papel, siempre pensaba para mis adentros: "si algún día alguien decide rodar este proyecto, el protagonista debería ser Benicio Del Toro". Cual fue mis sorpresa al descubrir la existencia del título sobre el que ahora escribo. Escobar Con esto, no quiero decir que considere al actor de origen puertorriqueño encasillado en papeles de héroe o villano relacionados con el mundo de la droga, ni mucho menos. Pero sí considero que a la hora de dar vida a personajes capaces de manipular todo aquello que está a su alrededor con una simple mirada, Benicio no tiene rival. Estamos ante un actor de raza, de mirada suspendida en el tiempo, capaz de congelar la sangre con un simple gesto, o de templar corazones con un parpadeo. Uno de esos intérpretes capaces e levantar proyectos con su sola presencia, gracias a un carisma que, además, trasciende la pantalla. Escobar Y esta vez, no es menos. Poniéndose en la piel del sanguinario Pablo Escobar, esa suerte de Robin Hood nacido bajo el poderoso y denigrante mercado de la droga, Del Toro compone una de esas interpretaciones potentes que desbordan al espectador por su excelencia, a la vez que es capaz de pasar por la pantalla mostrando una economía de histrionismos que congelan la sangre ante la sobriedad de un personaje que más que con las palabras, es capaz de dominar su entorno por la enorme complejidad de su mirada. Una mirada violenta que, gracias al excelente trabajo del actor hispano-norteamericano, sienta las bases de lo que sin duda es el gran punto fuerte de "Escobar: Paraíso perdido". Pero no es cuestión de menospreciar la labor tras las cámaras en su debut del también actor Andrea Di Stefano, pese a que peque de falta de riesgo durante casi todo el metraje. En esta, su ópera prima, el italiano deja a Benicio a los mandos del barco, para que sea él el que navegue la película por las aguas del éxito. Porque si bien estamos ante un título capaz de mantener el ritmo durante sus 120 minutos, lo hace a través de un thriller tópico cargado de situaciones y puntos comunes con otros títulos ya conocidos. Sin poner nada nuevo bajo el sol, Di Stefano solventa la papeleta con una cinta que se sabe entretenida y que, además de en la interpretación de Del Toro, tiene otra de sus bazas en la excelente partitura de Max Richter, compositor que este año ha saltado a la palestra para muchos gracias a su excelente trabajo en la interesante serie "The Leftovers".Escobar: Paradise Lost Escobar