Joe

6.6
La historia, ambientada en Misisipi, se centra en dos personajes, Joe, un exconvicto, un hombre sin rumbo que ha vivido siempre al límite, y Gary, un chaval de quince años que desea huir de un hogar destruido por un padre alcohólico; Joe y Gary se convertirán en atípicos aliados con un plan que podría suponer un gran cambio en sus vidas, para bien o para mal. Joe Critica: Dicen que las comparaciones son odiosas pero en algunas ocasiones son inevitables. Es imposible hablar de Joe (David Gordon Green, 2013) sin mencionar a Mud (Jeff Nichols, 2012), ya que las similitudes entre ambos trabajos son abundantes. Empezando por la misma tipología de título, o la presencia del joven Tye Sheridan como coprotagonista en ambas. Pero, especialmente, por el propio relato en sí. Las dos se tratan de obras oscuras y pesimistas que nos trasladan a un decadente pueblo del sur de los Estados Unidos, donde sus sufridos habitantes, absorbidos en un ambiente claustrofóbico y deprimente, intentan desesperadamente seguir adelante. Y si la obra de Jeff Nichols fue un pilar fundamental del renacer profesional y artístico de Matthew McConaughey, Joe nos ofrece la que seguramente sea la mejor actuación de Nicolas Cage en mucho tiempo. Joe Desde hace unos cuantos años, el protagonista de la ya lejana Corazón salvaje (David Lynch, 1990) parece que protagoniza casi cualquier cosa que le ofrezcan, sin importarle la calidad del proyecto. Y la sensación de que en la mayoría de sus actuaciones las realice con el piloto automático, no ayuda a pensar que se encuentre en el mejor momento de su carrera. Aunque, es cierto que entre multitud de bodrios se ha dejado ver en proyectos más interesantes, en los que se dejaba intuir que el bueno de Nicolas aún tenía salvación. Y aquí, en este film queda demostrado, que el sobrino de Francis Ford Coppola aún puede demostrar su talento cuando tiene la oportunidad. Como queda demostrado en esta obra, en la que encarna perfectamente al oscuro y atormentado Joe que da nombre al título. Junto a él, se encuentra un Tye Sheridan igual de sólido que en Mud, y que como siga por ese camino, puede llegar muy lejos. Pero, aunque sea la de Cage la actuación más comentada, la que realmente destaca es la de Gary Poulter como padre alcohólico y violento, especialmente teniendo en cuenta que no se trata de un actor profesional, sino de un mendigo real, que falleció poco después de finalizar la película. Joe Dichas actuaciones cobran aún más fuerza gracias a la simbiosis de los personajes con el ambiente que les rodea, siendo el pequeño pueblo y su bosque un personaje más de la historia, y un reflejo de las personas que en él habitan. A lo mejor éstos no se diferencian demasiado a los arboles que Joe y sus chicos envenenan, para que puedan plantar árboles más fuertes en su lugar. Se puede sentir que ese pueblo vivió tiempos mejores, al igual que sus habitantes, pero ambos se resisten. La genial puesta en escena, junto a un buen pulso narrativo consiguen que podamos sentir el sufrimiento contenido de los personajes. Pero no es oro todo lo que reluce. Aunque el guión, de por sí, no es ninguna maravilla; la elaborada puesta en escena, junto al gran trabajo de los actores, consigue que el espectador sea absorbido por su historia. En cambio, el comportamiento de los personajes parece demasiado errático, llegando a actuar de forma completamente irracional, logrando contradecir sus motivaciones previas sin ningún porqué aparente. Lo que hace que muchas situaciones resulten un tanto forzadas, pero aun así, esta no es la tónica habitual de la obra, sino algún que otro momento ocasional. Joe
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47 Ronin: La leyenda del samurai

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6

La película es una adaptación de la famosa "Leyenda de los 47 ronin", que ya ha sido adaptada a la pantalla en varias ocasiones y que es considerada en Japón como una leyenda nacional, y pone de manifiesto el código de honor samurái por excelencia: el Bushido. Nos encontramos en el siglo XVII, en el Japón feudal. Kai (Keanu Reeves, 'The Matrix') es un paria que se une al líder de los 47 Ronin, 47 guerreros sin amo que tuvieron que convertirse en outsiders después de que su señor fuera obligado a cometer sepukku (suicidio al estilo samurái), Oishi (Hiroyuki Sanada, 'El ocaso del samurái'). Juntos lucharán por vengarse del traidor que mató a su señor y les condenó al destierro. Para restablecer el honor a su tierra natal, los guerreros se lanzan a una búsqueda plagada de duras pruebas capaces de destruir a cualquiera. 47 Ronin Critica: Hay veces que todo está en contra. Lo hemos visto tantas veces, en la pantalla grande, en la pequeña, en el trabajo, en la escuela... Y en esos momentos uno tiene la elección de dejarse abandonar ante el sentido común o bien crecerse y dar un golpe en la mesa. Este es uno de esos momentos. 47 Ronin Desde hace tiempo tuve buenas vibraciones con esta película. Me gusta Keanu, lo confieso, ese aire que impregna a sus personajes que implica no saber hasta que punto interpreta o es él mismo. También me gusta el feudalismo japonés y sus leyendas, así que como 2+2 son 4 tenía que esperar este filme. Pero... Oh sorpresa, tras saltarme el día del estreno entro aquí y veo una nota paupérrima de cinco y críticas demoledoras que ponen la producción al nivel de cine casposo. 47 Ronin Y como soy un incrédulo me he ido a verla. Y doy gracias por ponerme el "hype" por los suelos, me habeis hecho disfrutar de lo lindo. Quizás 47 Ronin mereciera en mi humilde escala un 7, pero ahora me ha parecido de 9. Cosas de la subjetividad oiga. Al lio. La película me ha parecido sólida en su construcción, con personajes que he encajado bien en su contexto. Las interpretaciones me han seducido, pero es cierto que los papeles eran muy japoneses y se dejaban llevar, tanto es así que Kai (Keanu Reeves) es un personaje guante, de esos preparados para ser interpretados por alguien concreto y no otro. La artificiosidad de la nobleza nipona (iba a añadir feudal pero me temo que no hace falta) queda reflejada grandilocuentemente y no por ello es producto de un matrimonio a conveniencia entre una marvel cualquiera y kurosawa, sino más bien del halo de leyenda que inspira el relato. 47 Ronin

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Don Champagne parece tenerlo todo: un negocio de éxito, una casa perfecta, unos niños perfectos y una esposa ideal...hasta que tiene una aventura con una joven mujer, que empieza a chantajearle a cambio de dinero, amenazando con contárselo a su mujer, bipolar y obsesiva compulsiva. Home Sweet Hell Hogar Critica: Que curioso que una película con tan buenos actores y una buena premisa se pierda en la nada por culpa de un guión donde no hay gancho y demasiada previsibilidad. Como una serie B de las películas de los Coen o de Judd Apatow. La historia no está mal pero apenas aprovecha las oportunidades y no le da a Katherine Heigl la cancha que merece. En vez de eso, la historia bascula alrededor del efectivo -pero soso- Patrick Wilson con lo que el gancho también se pierde. La historia no da para mucho, desde luego no para un largometraje, y en vez de aprovechar el tiempo con diálogos inteligentes prefiere centrarse en una acción (cercana al humor negro) que desentona con el conjunto. En definitiva, una comedia negra donde ni te ríes, ni tan siquiera sonríes. Un buen concepto mal ejecutado. Hogar Todos los actores coinciden que es más fácil obtener una lágrima del espectador que una sonrisa espontánea, más difícil una carcajada natural que tristeza en el alma, más accesible el drama que la comedia y, no deben ir mal encaminados pues la eterna candidata a novia de América que, desde que dejó su trabajo de enfermera, por aspiraciones mayores, confunde cantidad con calidad, a pesar de su correcto trabajo, esfuerzo y cambio de registro, no consigue ese delirio esperado, esa mueca instantánea, esa diversión y jocosidad urgente como garantía de triunfo de un argumento que se apoya en el absurdo y la excentricidad como base de su andadura pero se excede en las posibilidades de sus pasos, erra en el ritmo y compás, confianza en una fuerza que no domina y que se le escapa, abusa de su inicial propósito de desmadre y locura para quedarse varada a medio camino y ser incapaz de lograr la tan ansiosa perfección de sus intenciones que se quedan en muestra gratuita, sin tentación de compra, pues no hay nada más melancólico que un vendedor que no vende ni nada más penoso que una comedia que se cree delirante y no provoca ni humor ni gracia. Hogar Matrimonio bien conjugado que tiene que enfrentarse a crisis personal que resuelven por el camino rápido, obsesiva-manipuladora-dominante-ambiciosa-controladora-maniosa-sádica ella, una Katherine Keigl, aprobada sobre papel pero no degustada con tono y placer en el plano, como devota madre/amante esposa de un necio, bobo, lelo, débil y dominado Patrick Wilson que, al igual que su compañera y a pesar de la corrección, ahínco y fuerza de voluntad, -a ambos les falta chispa, ingenio y salero pues no todo es recitar el texto-, no logra sacar apenas nada de su personaje ya que, si "la paranoia no es más que estar alerta", aquí el guión y los diálogos, las escenas y planteamiento de las situaciones extravagantes y ridículas pecan de estar a las puertas de la gloria y no entrar, a metros de la cumbre y no coronar, acercarse al cielo y quedarse sin sabor, gusto ni paladar. Hogar

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El llamado salvaje

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Cuenta la historia de Buck, un perro bonachón cuya vida cambia de la noche a la mañana cuando su dueño se muda de California a los exóticos parajes de Alaska durante la Fiebre del Oro a finales del s. XIX. Como novato de un grupo perros de trineo (y posteriormente su líder), Buck experimenta una aventura que jamás olvidará, encontrando su lugar en el mundo y convirtiéndose así en su propio amo. El llamado salvaje Critica: Nueva adaptación de la novela de Jack London publicada en 1903, (al menos hay 5 películas) suavizando en esta nueva entrega las escenas de maltrato animal para realizar un film de aventuras familiar muy correcto y entretenido. El protagonista indiscutible es Buck un perro grandote y bonachón, propiedad de un rico juez de California, que es secuestrado y vendido para llevarlo a los campos de oro de Klondike en la década de 1890. Allí se convierte en un perro de trineo llevando el correo a los trabajadores. Pero la llegada del telégrafo a la zona hace que cambie de dueño otra vez, es cuando conoce a Thorton (Harrison Ford) un hombre triste y solitario con el que vivirá nuevas aventuras. El llamado salvaje Se ha optado por no utilizar animales reales y hacerlos en animación por CGI, algo que al principio te choca un poco, pero que a medida que te introduces en la historia no le encuentras defectos ya que el efecto es muy realista. Eso ayuda mucho a darles mayor expresividad y sentimentalismo a los perros en muchas escenas. El llamado salvaje La fotografía paisajista es impresionante debido a gran parte a Janusz Kaminski colaborador habitual de Spielberg, con dos oscars por "Salvar al soldado Ryan" y "La lista de Schindler". También la banda sonora de John Powell aporta mucha intensidad. El llamado salvaje El director elegido es Chris Sanders, que tiene mucha maestría en el campo de la animación con títulos como "Los Croods", "Como entrenar a tu dragón" o para Disney "Lilo y Stitch", siendo esta su primera película de acción real, mezclando con animación por ordenador. Ideal para llevar a los pequeños al cine y disfrutar con ellos de esta tierna historia. También mostrarles ese vinculo tan maravilloso de estos animales tan queridos por los humanos. Destino Arrakis.com

Valley of the Gods

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Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.Valley of the Gods