¿Quién mató a Sara?

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Tras 18 años de encarcelamiento injusto, Alex Guzmán es liberado con el plan perfecto para descubrir quién mató a su hermana Sara y por qué la familia Lazcano lo culpó del crimen. Lo que no sabe, es que la búsqueda de pruebas lo llevará por un desvío mucho más peligroso de lo que imaginaba. Cuando finalmente se enfrente al verdadero culpable, Alex deseará no haber buscado su venganza.¿Quién mató a Sara? Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.¿Quién mató a Sara?¿Quién mató a Sara?
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Comedia Drama Romance
5.2

Berlin, Berlin: Lolle a la fuga Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

Icebox

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Un niño hondureño de 12 años queda atrapado dentro del rígido proceso de inmigración de Estados Unidos. Icebox Critica: Al igual que le ocurrió a Andy Muschietti con "Mamá", al debutante Daniel Sawka, un interesante cortometraje le brinda la posibilidad de rodar su primer largo, con idéntico título que el corto, "Icebox", contando en ambas propuestas con la espléndida interpretación del joven Anthony Gonzalez. La cinta centra su mirada en las vivencias de un niño hondureño, obligado a huir de su país natal rumbo a Estados Unidos, ante el futuro nada halagüeño que le esperaba en el camino como miembro de una mara. Reclutado contra su voluntad en la misma, la deserción no está permitida en los siniestros códigos que rigen el comportamiento de estas pandillas delictivas, dónde el abandono o traición está castigada con la muerte. Atrapado en la frontera, se convierte en inmigrante ilegal. Trasladado a un centro de menores, espera con angustia la asistencia y ayuda de un tío al que apenas ha visto en su corta vida, y que ha logrado el sueño dorado de tantos hispanos, poder vivir legalmente en la primera potencia del mundo, lejos de las disfuncionalidades que por desgracia caracterizan a sus países de origen. Su periplo logra conmover, consiguiendo la narración que te identifiques plenamente con el desamparo y abandono que debe sentir un menor, cuando el aparato legal de un país cae sobre ti, decidiendo con frialdad administrativa tu porvenir. A tan corta edad, la madurez le llega a la fuerza en forma de refugiado. Y pese a todos los escollos y contrariedades padecidos y por sufrir, la esperanza se sigue llamando América

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Basada en hechos reales, narra la historia de Michael Oher, un joven afroamericano sin hogar que encuentra ayuda y cobijo en una familia blanca, dispuesta a prestarle el apoyo necesario para que pueda desarrollar todo su potencial, tanto para triunfar como jugador de fútbol americano como en la vida. Por su parte Oher también influirá en la vida de los miembros de la familia Touhy, que atravesarán también por experiencias de descubrimiento personal. El cambio de ambiente significa también nuevos desafíos que el joven habrá de vencer, esforzándose por dar lo máximo de sí mismo como deportista y como persona. The Blind Side Un sueño posible Critica: El sleeper del año se titula "The Blind Side", una película cargada de buenas intenciones y con un loable espíritu de denuncia ante la falta de oportunidades que muchos jóvenes afroamericanos padecen dentro de los barrios más marginales de Estados Unidos. Un argumento muy americano, bastante abordado en el séptimo arte, y que no sé hasta que punto podría resultar también un éxito fuera de las fronteras yankis. Un sueño posible La película no deja de ser un drama sensiblero de relaciones personales que intenta resaltar la importancia del hecho de disfrutar de una familia, proteger a los que te rodean, tener un círculo que te apoye... en definitiva, factores humanos que se entrecruzan dentro de un argumento donde la conexión entre los personajes resulta fundamental y, en especial, la atípica relación madre-hijo entre Leigh Anne y Michael, sujetos a los que la sociedad situó en polos opuestos. Un sueño posible Además, la cinta es un vehículo mediante el cual Sandra ha confirmado, no sólo ser válida como actriz dramática, sino una desbordante capacidad para dar cuerpo y alma al personaje de Leigh Anne Tuohy, una adinerada y pija madre de familia con no mucha facilidad para exteriorizar sus sentimientos. Sin duda, su papel en "The Blind Side" se convierte en una de las interpretaciones más relevantes del año. Sandra ha conseguido el hito de estar nominada doblemente a los Globos de Oro de este año, y no sólo eso, sino que las tres cintas que ha estrenado en 2009 van camino de acumular una cifra cercana a los 400 millones de dólares, sólo en Estados Unidos. La reina del Box Office ha vuelto. Un sueño posible

La cumbre escarlata

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Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra… y recuerda. Crimson Peak La cumbre escarlata Critica: Visualmente impecable y preciosista, ofrece una aquilatada orgía de texturas, colores, decorados, vestuario, fotografía y efectos de toda índole. Resulta hipnótica y hechizante – se le pueden perdonar incluso ciertos excesos gore que rompen su elegante flujo narrativo – por su abierta apuesta por una iconografía gótica clásica y acreditada, ofreciendo un estallido de sensualidad exacerbada y contagiosa. Sabe utilizar con acierto todos los medios para crear una atmósfera acechante, turbia, ponzoñosa y amenazante. Se divide en dos partes: la primera (situada en la Norteamérica de finales del XIX) es muy satisfactoria y está repleta de aciertos, la segunda parte (situada en una apartada y decadente mansión desvencijada de la Inglaterra profunda) es mucho más discreta y previsible y sucumbe a ciertos tópicos manoseados y adolece de un exceso de trampas y propensión al espectáculo circense. La cumbre escarlata Se nota que a los mandos está un curtido director de fuste, que sabe manipular a su antojo las imágenes que ofrece, crear atmósferas y añagazas, sordidez y mal fario. Pero el guión va perdiendo vigor conforme avanza la trama y se acaba diluyendo, quedando su resultado por debajo de las muchas promesas que el buen planteamiento inicial hacían presagiar. Quizás peque de superficial y, sobre todo, su final parece sacado del baúl de las producciones hollywoodiense menos sugerentes, llena de parafernalia mañosa y sustos sin gracia ni estilo. Por todo ello, el balance global es ambivalente. Sabe a poco porque cabría esperar más y uno tiene la sensación de que han domeñado el afán iconoclasta de su director para amoldarlo al cine más convencional y desactivar cualquier intento por salirse del patrón establecido para obtener un éxito seguro e incontestable. La cumbre escarlata A su favor tiene unos actores pletóricos, que encarnan con convicción y disfrute unos personajes quizás acartonados, pero a los que saben insuflar vida y pasión, arrastrando al espectador por los altibajos, sustos y malos augurios que pueblan la cinta. Ellos sostienen el andamiaje resuelta y vorazmente, ofreciendo más allá de los lugares comunes unas gotas de profundidad y consistencia que se agradecen en est e tipo de propuesta. Sobre todo brilla Jessica Chastain (¡hacer de voluptuosa pécora es tan agradecido!) pero también seduce Tom Hiddleston en un papel quizás menos brillante pero igualmente tóxico y envilecido. La cumbre escarlata

La maravillosa Sra. Maisel

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Manhattan, año 1958. Miriam Midge Maisel (Rachel Brosnahan) es una mujer cuya vida como esposa y madre da un giro inesperado cuando descubre un talento desconocido para la comedia. Midge cambiará entonces su cómoda existencia en el Upper West Side para hacer monólogos. Una serie de la creador de "Las chicas Gilmore". Critica: Buceando por la plataforma de Amazon Prime Video me encontraba con "The Marvelous Mrs. Maisel" con cierta frecuencia , su portada y su argumento no me llamaban la atención, y no conocía ningún actor que salía en la serie, así que, con toda la oferta de series que hay, hoy en día tenemos que seleccionar las que nos llaman la atención, y una vez visto el primer y/o segundo capítulo, decidimos avanzar o dejarla(y pasar a otra). En las redes sociales se habla muy poco de esta serie, no ha tenido apenas repercusión, ni nadie te la recomienda cuando preguntas que serie ver. Todo estaba en su contra, pero pensé: ¿Por qué ver sólo las series de las habla todo el mundo? ¿Estamos perdiendo nuestro propio criterio?. Nos dejamos influir por las masas, los críticos, opiniones buenas y malas sin ver el producto. Una noche, sin pensármelo dos veces, me vi el piloto. El primer capítulo tenía "algo" diferente, una esencia y una frescura distinta. Pasaban los minutos y me fascinaba lo que veía. ¿Pero como no podía haberla visto antes? ¿Cómo no se habla de esta serie?. Sencillamente Magnífica. Nos situamos a finales de los años 50, en Manhattan. Nuestra protagonista tiene una vida de ensueño, su marido le engaña, se va de casa, y esta acaba, sin saber cómo, descubriendo que tiene talento para los monólogos, situando estos " stand-up" en bares y locales nocturnos. Reflejan a la perfección el papel de la mujer en aquella época, nuestra protagonista deberá compaginar su vida de soltera (ante la mirada de todos), su vida de trabajadora y su vida de cómica. El guión roza la perfección y los diálogos son ingeniosos. Cada vez que sube al escenario y coge el micro es para levantarse del asiento y aplaudir. Las conversaciones con sus padres son maravillosas. No puedo acabar esta crítica sin alabar el papel de Rachel Brosnahan como Miriam Midge Maisel, fantástica y espectacular sería decir poco. El dúo con Susie Meyerson (Alex Borstein), su agente, es formidable. El resto de secundarios encaja a la perfección. Si has dudado en verla, no dudes más. Sé con total seguridad que es una de mis series favoritas.

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Tres fugitivos que buscan dejar atrás su mundo distópico e ir a un lejano paraíso planean un atraco y atraen la atención de un despiadado asesino. Tiempo de caza Critica: Una película con una particularidad muy curiosa, ya que a medida que avanza consigue crear cada vez más tensión utilizando de una manera muy acertada los tiempos que parecen muertos, dónde el director ralentiza el impás de la historia, casi como si la suspendiera. Con parecida estampa a las típicas películas coreanas, es al mismo tiempo muy norteamericana en su trama y en el prototipo de unos protagonistas a los que le falta espesor: ladrones de poca monta que se ven inmersos en una desigual lucha por su vida ante la implacable persecución a la que se ven sometidos por parte de un enigmático sicario. Quizá pierde demasiado tiempo al principio recreando un futuro algo distópico, tratando de blanquear moralmente a sus jóvenes protagonistas, enalteciendo el vínculo que les une, pero en cuanto se arranca por su cante hondo, el interés y la tensión prenden cada vez con más fuerza en la pantalla, otorgándole a toda la historia un tinte cargado de fatalismo, con unas escenas de acción bien construidas y mejor rodadas. En definitiva, una película de acción que está más cerca de envolverte que de dejarte frío, que entretiene y que alberga la vocación de no ser una más, algo que creo que consigue, sin llegar a ser tampoco nada del otro jueves.