Siempre Alice

7.5
Alice Howland, felizmente casada con tres hijos ya adultos, es una reconocida profesora de lingüística que comienza a olvidarse de las palabras. Luego de recibir un diagnóstico devastador, Alice y su familia ponen a prueba sus vínculos. Still Alice Siempre Critica: Estamos ante un retrato sereno, pausado, escalofriante, desgarrador, sensible y atroz sobre el imparable deterioro mental de una mujer de carrera, brillante y exitosa, que con apenas 50 años recién cumplidos se encuentra con que padece la enfermedad de Alzheimer. El gran acierto es mostrar el inexorable declive de esta mujer singular que ha hecho de la brillantez intelectual su forma de vida, su esencia, su realidad, su sustento. Y por eso resulta especialmente cruel que su privilegiado cerebro se vea asediado por la desdicha del olvido, por la decadencia insondable del lento borrado de las palabras, por la desorientación y la pérdida de sus cualidades más preciadas y preciosas: la capacidad de articular, expresar, crear, investigar y ahondar en los misterios de la existencia. Siempre La enfermedad cae como un mazazo. Ella trata de buscar formas para no acabar de perder su dignidad como ser humano, su capacidad de decidir por ella misma lo que quiere y cuándo lo quiere y se va volviendo un pelele indefenso, paralizado por su incapacidad de reaccionar, asediada por una dolencia que disuelve la propia vida como un azucarillo y te pone a merced de las voluntades y antojos de los demás porque uno mismo ya no puede hacerse cargo de la supervivencia.Siempre Y por ello esta cinta también trata sobre el abordaje según las diferentes formas del amor y de cómo reaccionan y se posicionan ante el lento goteo hacia la nada. Porque si bien muestra que el amor sólo no basta (por ejemplo, el de un amantísimo marido, que no sabe encajar los destrozos inasumibles que presencia), también nos ofrece la otra cara de la moneda, el de una hija – en apariencia descarriada – que asume la tarea de acompañar , desde un amor altruista e inmaculado, a su madre. Sólo el amor paciente proporciona un asidero, por liviano y tenue que sea. Sin amor es cuando nos quedamos sin nada. Siempre
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Una familia feliz se convierte en el blanco desprevenido de una madre afligida envuelta en el misterio que rodea la trágica muerte de su familia después de que un grupo de adolescentes haga un pacto para mantener en secreto lo que sucedió.Secretos en el lago Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.

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Critica: Honestamente, no sé qué mi*erda acabo de ver. Sabía donde me metía. mea culpa, pero oiga, ni resulta graciosa ni llega a emocionar con sus golpes bajos. Un sentimentalismo forzado que llega a ser exasperante. Pero 'The Starling' hace poco o nada por balancear ese drama con los momentos supuestamente emotivos y cómicos, nos lleva por una serie de extrañas metáforas que te sacarán completamente de la película (si no te sacó antes).El estornino Posiblemente, de lo peorcito de Netflix en lo que llevamos de 2021 junto con 'Presas de caza'.El estornino Un saludo por aquí. PD: Deberían despedir ipso facto al encargado de hacer el CGi del pajarito, qué cosa más falsa y hecha con tan poco cariño. Sería inútil negar que El estornino es una película cuya principal intención es tocar la vena sensible del espectador. Por suerte, el tráiler no engaña a nadie, así que los suscriptores de Netflix que no tengan ganas de sentir cómo se les desgarra el corazón, o de derramar lágrimas hasta que se les recomponga otra vez, harían bien eligiendo cualquier otro título disponible en la plataforma digital. Ahora bien, aquellos que quieran acompañar a los protagonistas de El estornino en un viaje tan trágico como emotivo, solo tendrán que dejarse llevar y asegurarse de tener una caja de pañuelos a mano. Sin embargo, y por triste que sea el punto de partida, en El estornino hay tantas lágrimas como sonrisas, lo que hace muy llevadero el camino que nos invita a recorrer. Con las dosis adecuadas, la combinación de humor y dolor nunca falla y, en este caso, el guion de Matt Harris ha dado con la medida justa para que esta historia no pierda el equilibrio en ningún momento.El estornino *Humoristas en duelo Puede que, a primera vista, Melissa McCarthy (Nine Perfect Strangers) y Chris O’Dowd (The IT Crowd) no resulten creíbles ni como dúo artístico ni como matrimonio de ficción. Por si fuera poco, la primera escena de El estornino parece confirmar nuestras sospechas. Algo no encaja. Sin embargo, a medida que la trama avanza, ambos actores van sintiéndose más y más cómodos. Es así como sus personajes, aunque sea como resultado de la desdicha, acaban alardeando de esa ironía y de esas miradas sentenciosas que tan bien definen el humor de los dos intérpretes. Sorprendentemente, McCarthy y O’Dowd no comparten mucho metraje en El estornino. Sus viajes comienzan en la misma casilla de salida pero les separa un vacío aparentemente inabarcable. Esa separación es el motor de la historia. De nuevo, Harris encuentra el equilibrio entre las dos caras de la misma moneda y nos permite conectar, al mismo nivel, con ambos personajes.El estornino

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Aversión

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Cosas imposibles

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Critica: Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas. Por otra parte, soy un entusiasta admirador del director Denis Villeneuve, de quien sólo he visto aciertos de todo género y planteamiento, un virguero de las imágenes y del montaje, un artista incontestable y evidente, lo mejor que me he encontrado en una sala de cine en lo que va de siglo. Es decir, que iba con ganas y sana curiosidad al cine, esperando encontrar un propuesta inédita y – sea cual fuera el camino elegido – llena de aciertos… pero nada más lejos de la realidad.Pero vayamos por partes, porque hay muchos aciertos pero también otros tantos deméritos dignos de mención. Entre lo positivo está la puesta en escena que recrea, prolonga y amplía la arrebatadora estética primigenia: esa llovizna casi constante, esa ausencia de horizonte, claridad y sol, ese opresivo presente de pesadilla que parece abocarnos al abismo, esa mezcolanza entre replicantes y humanos que vuelve confuso lo cotidiano y nos hace desconfiar tanto de lo que vemos como de lo que sentimos; una fotografía innovadora y sugerente, llena de claroscuros y contrastes, que nos engulle como un torbellino y nos escupe despojos hediondos a cada fotograma; una escenografía espeluznante que desdeña lo efímero y encumbra lo sintético y alambicado. Es decir, en cuanto al universo visual nos hallamos ante una propuesta insólita, apabullante y portentosa, llena de matices y aciertos.Sin embargo, las flaquezas y deficiencias acaban por erigirse en las grandes protagonistas de la función. Un metraje tan desmesurado como innecesario (sobra casi toda una hora), alargando las escenas hasta la inanición y la abulia; una historia tan poco carismática y tan porfiadamente vaporosa que hacedesfallecer el ánimo y obliga a esperar a que la próxima escena rescate del tedio al espectador y haga avanzar la trama hacia algún lugar digno de interés, cayendo siempre en subrayados innecesarios y en tópicos previsibles, ahogando toda ambigüedad y anulando cualquier estímulo. La calma y el reposo casan mal con una supuesta cinta de acción, por muy ensimismada y reflexiva que pretenda ser. Y las cavilaciones sobre la vida, la muerte, los milagros de la existencia y la magia de la procreación resultan tan patosas como primitivas, tan superficiales como chirriantes.Hay algunas escenas aisladas que descuellan y deslumbran, dignas de perdurar en la memoria cinéfila (como, entro otras, ese baile erótico que sobrepone a dos personajes en abigarrado aquelarre de lo imposible o ese ‘nacimiento’ brusco y sin remilgos de una replicante abocada a su exterminio), pero son momentos inconexos y solitarios, que impresionan por su esplendor y singularidad, pero desentonan por carecer de engarce y coherencia.Cosas imposibles Por una parte, soy un tardío fan de la cinta original. En 1983 me pareció un pestiño (era un adolescente abducido por ‘La guerra de las galaxias’); en 1992, en mi opinión, el montaje del director mejoraba (y mucho) la propuesta; pero no fue hasta hace algunos pocos años, ya en formato blue-ray, en que me sedujo y cautivó por completo y sin reservas.